撰文丨陈耀杰 编辑丨李童图文未经授权不得擅用一次展览即是一次美好的遇见。2022年9月26日，“世·相——钟飙、尹朝阳双个展”在四川美术学院美术馆开幕，此次展览是“四川美术学院美术馆系列双个展计划”项目的第三次展览，由刘媛、俞婷婷担任策展人。此次展览也是时隔二十多年之后，两位艺术家的深度碰撞与交流。在展览开幕式中，艺术家钟飙讲到，自己与艺术家尹朝阳第一次出现在同一个展览中是在23年前，当时是一场绘画新锐展。此次双个展，两人再度相遇，彼此的绘画面貌已经发生了很大的变化。他视此次展览为彼此之间的一次“过招”，同时也是相互之间的一种应力，从而完成了一个非常好的异质同构的空间。

钟飙展览现场而对于尹朝阳来说，自己是第一次在四川美术学院美术馆举办展览，并且是以双个展的形式进行。当他看到艺术家钟飙在布展现场忙碌时，意识到每个人工作方式都不一样，展览如果能够将每个人的状态最真实呈现出来就是成功的。策展：让空间自己“说话” 让学习可循、可看、可探讨刘媛作为此次展览的策展人之一，她将展览的主题定为“世相”，“世相”原意为世界万物的形态、社会现实的情況与状态。在此次展览中，她将世相拆分，来强调各自文字本身含义，取“相”作为动词“观看”、“选择”的表意，“世”即是世界、时代、人生一 世。以此来凸显两位艺术家更为主动性、自觉性地对现实的表达与体悟。因为两位艺术家的创作是正在进行时，展览中的作品既是艺术家多年创作能量的厚重映现，也更看向未来和远方。钟飙展览现场在刘媛看来，钟飙和尹朝阳在绘画语言的呈现与表达方式上有着各自不同的方法和视角，经过多年持续且坚定地探索，都形成了比较独立、鲜明的个人创作语系。经历短暂的展览筹备，从片段且非详实的图像分析和艺术评论中感受到，二位艺术家几乎都不遗余力地将深度的个人体验（肉身感受与自我精神解析）释放、投入在绘面表达之中。尽管言说的方式可能是浪漫的，宏大的，也可能是刚毅的，微观的；但不可否认得是二位艺术家在面对现实与个体之间的矛盾时，都有着一颗捕捉自我、直面当下的决心，一种果敢遭遇现实并与之碰撞的态度，加之对绘画、艺术执拗的迷恋与坚持，不断推演着各自的艺术走向更深的思想维度，用各自擅长的绘画语言方式品现着今天社会现实之下的感观“世相”。

尹朝阳展览现场也正是如此，她期望这次展览所呈现出的两位艺术家的创作轨迹能够成为艺术家自省的纵向参照。同时，另一方面希望通过展览对两位老师艺术的检索与梳理，为川美学子提示出可以参照的直观样板，让艺术的学习有迹可循、可看、可探讨。虽然此次展览参展的两位艺术家从事的都是绘画创作，但在展览的设计上，打破了传统绘画展览的布展思路。展览另外一位策展人俞婷婷讲到，展览在空间布局与陈列设计上，希望给 “白盒子” 注入更多当下的需要，因此如何营造多层次，丰富的空间体验是设计中特别强调的。具体做法便是打破原有的仅是作品与墙面的呆板关系，用作品本身构筑体量，利用结构形式塑造空间，强化空间、作品、观众三者间的互动，丰富作品与空间的表现方式。利用这样的设计手法把叙事性带入展览空间，让空间自己能够“说话”。她希望展览呈现的效果“既是纯粹的、当代的、超越的艺术创作，也是丰富的、互动的、充满沟通的空间。”

尹朝阳展览现场确实，步入展览现场，可以看到的是，作品不仅仅挂在展墙上，还矗立在空间中，部分作品还辅以文字解说，以一种非常立体、多元的方式在向观众传达作品的含义。作为观众在观看作品时，可以面对绘画静静的品读；也可以阅读作品旁边的文字，进而与作品相互印证艺术家的思考；还可以围绕着作品观看，有种在画中游的感觉。钟飙：以形显态“很多年不这样了，很感动。”钟飙在谈到此次展览时说了这样一句话，为什么会有这样的感触？源于他的布展工作。钟飙展览现场展览开幕前，钟飙在布展现场非常的忙碌，有时候甚至要忙到深夜，这使他回想到自己年轻时创作的状态。他讲到那时候都是夜以继日画画，早上迎着朝阳回家，当时能够感受到时代的脉动并追寻，现在发生了很大的变化。我们都不断的改变，一方面外在世界在变化；另一方面，内在驱动力也在转变，从事艺术三十多年，主观和客观世界永远在变，他也一直在把握这种变化。*请横屏观看该图《奥陶纪》布面油画 344×842cm 2022年这也是为什么此次展览叫做“以形显态”，钟飙讲到，可视世界与无形世界有着密不可分的“形态”关系。“态”是事物内在的普遍联系和潜行动能，永不停息地潜移默化；“形”是“态”在具体时间和空间中聚合的外貌。随着时间的推移，态会改变，形也会改变，因此艺术家需要不断的改变，这也是艺术家的价值所在，关注个体生命同时去感受时代，并超越时代呈现更为本质的东西。《时间谷》布面油画 195×300cm 2022年《此起彼伏的诗意》布面油画 195×300cm 2022年四川美术学院美术馆馆长何桂彦谈到钟飙的创作时讲到，对于艺术家钟飙而言，图像与生活构成的既是一种显现，也是一种遮蔽的关系。从选择什么图像，再到画草图，直到作品完成，不仅仅体现为一种工作方法，而且会涉及个人的文化立场与价值判断。虽然钟飙的创作线索从未有过明显的断裂，但其作品一直是在阶段性的推进。早期，艺术家致力于以都市化生存体验为中心的图像叙事；之后又积极地在语言与作品内部视觉机制上做一些新的尝试，不断思考图像与现实、绘画与摄影、看与被看等问题。近年来，艺术家笔下的图像所涉猎的范围变得更为广泛——早期作品中秉承的“视觉奇遇”让位于艺术家对现实、对生命、对能量世界的哲学追问，并将个人化的思考融汇到宏大的、史诗般的场景中，试图在可观看的图像与抽象的本质之间找到连接的桥梁，赋予内在的逻辑。最终，对现实生活的拷问与图像的逻辑并重，而对思想观念与精神世界的表达成为了艺术家创作最内在的动力。《知音》布面油画 195×300cm 2022年《相逐心生》布面油画 200×140cm 2022年钟飙自述风是看不见的动力，云是风的姿态，风起而云涌。可视世界与无形世界有着密不可分的“形态”关系。“态”是事物内在的普遍联系和潜行动能，永不停息地潜移默化；“形”是“态”在具体时间和空间中聚合的外貌。每个平凡的时刻，都是由无数的不平凡决定的。艺术通过对 “态” 的觉悟、感知，进而表达，来显形现实深处隐藏的关系。当时过境迁，艺术则态变形随。以形显态的艺术创新，持续地把现实深处的秘密变成常识，将发展趋势兑现为时代潮流，并不断拓展看待世界的方式，释放出生活本身取之不尽用之不竭的魅力。这一永续的动态过程，蕴含着“一个时代有一个时代的艺术〞之底层逻辑。“以形显态-钟飙作品展”为近四年的部分创作，分为格物和组态两部分：“格物”聚焦对象，通过对确定物体的观察、思考、冥想，把物相以及背后的可能性视觉化；而“组态”则不着相，穿越远古，进入具象事物的底层结构，听现实的回音。

尹朝阳：自选集

尹朝阳展览现场对艺术家尹朝阳来说，此次展览是对过去几年自己状态的呈现，他讲到，工作就是了解自己的过程，因此他近些年的创作更像是自己的自传，包括举办过的每场展览，也都是时间段落的呈现，回看这些展览的时候，仿佛是在看那个时间段的自己。*请横屏观看该图《寒枝惊雀之二》布面油画 350×882×30cm 2018-2022年《黄昏禅寺》布面油画 385×220cm 2022年《丹崖玉树》纸本水墨 495×195cm×2 2020年具体到此次展览，在尹朝阳看来是一个非常精炼的展览，两位艺术家的创作相互对照，观众进来之后可以看到两个非常鲜活的个体。四川美术学院美术馆馆长何桂彦谈到尹朝阳的创作时讲到，在尹朝阳早期的作品中，其强烈的主观表现风格、浓郁的悲剧意识、无法回避的伤害感，使其在艺术界令人瞩目。在思想与观念上，不仅有强烈的自传色彩，有艺术家对内心世界的剖析，也有对个人生存境遇的拷问，更重要的是，艺术家试图将其作为70一代的成长背景，从而去言说70一代的视觉经验是如何被建构的，文化理想是怎样被塑造的。近年来，尹朝阳的绘画有一个重要的转向——开启了“新风景”绘画的探索。从图式与视觉经验上，它们与新中国以来的“新山水”会形成一种潜在的互文性，所不同的是，艺术家不注重视觉的再现，而更强调画面的内在气息。气息得益于语言与手法。比如，浪漫主义与象征手法的结合，使得画面产生了不同的心理隐射，使其在慷慨中蕴藏着悲壮，豪迈中充斥着悲悯。或许，这种崇高感来自于艺术家对自然对山水的礼赞与敬畏。在尹朝阳的笔下，观众不时会发现一些禅院、寺庙、塔林，如华山上的庙宇，位于恒山悬崖之上的悬空寺等。它们并不太醒目，但不可或缺。作为一种意义的索引，它们的出现也并非偶然。看得出，艺术家对它们的着力描绘，或许是受到了古人精神上的感召，或者是来源于内心被唤起的宗教感。事实上，在尹朝阳构筑的绘画场域中，一旦观众凝神关照，因为“观看”，同样能进入画面，感受到一个不同的艺术世界。《松骨》木板油画、木头、玻璃钢 163×129×36cm 2019年《殇1》青石 105×45×60cm 2022年尹朝阳自述对于一个在过去的数年里始终活在艺术里的人，挑选作品拼接出一个肉身之外的形象则接近一次隆重的回忆和再造。我一直试图寻找一种新的质地和情感回应眼前这个日渐癫狂又司空见惯的世界。在我看来，艺术的功能无非两个：超越和拯救。一方面，我们深陷其中的这个世界并不完美，我可以深切感受到艺术所携带的那种无与伦比的修复功能；另一方面，经由人生所必然遭遇的苦痛和磨炼后的艺术也应该有不同的样子，这个过程事关拯救。那可以使你超越一切不值一提的红尘里的陈词滥调。所以，在年届中年的这个时段，我仍然强烈地感受到内心深处的那种不可名状的涌动，仅仅是种单纯的属于一个生命个体的渴求自由生长的召唤，一种我时刻感受到的那种 “我手写我心” 的奔涌的热情！在此，世界的样子也是你作品该有的样子。它们辽阔、复杂而沉郁，深不可测。这些绘画和雕塑不再是为哪座山、某个人所做的写照，也不是对哪个伟大的废墟和遗迹所进行的伤感的凭吊，它们是一个活在当下的肉体对灵魂的一次诚恳的寻找，是面对现实的一次次挣扎和自救。是一个人的心灵史。“四川美术学院美术馆系列双个展计划”项目以艺术家个案研究的形式，推广和展示今天当代艺术现场活跃的代表性艺术家的创作状态。聚焦在川美和校外艺术家的深度合作，记录他们的艺术观念和相互碰撞而产生的无限可能，展示中国当下青年艺术的丰硕成果，梳理出“个案研究与中国当代艺术史写作”的学术方向，从而建构起川美在今天艺术现场的重要影响力。具体到此次展览，正如四川美术学院美术馆馆长何桂彦讲到的，两位艺术家无论是对艺术语言、创作方法的探索研究，还是在观念思想的衍变与转化上，都是当代绘画领域卓有成就，且具有代表性的艺术家。此次展览也是“四川美术学院美术馆系列双个展计划”项目的第三场展览，尽管在实施过程中遇到诸多挑战，但四川美术学院美术馆仍在不断推进和深化双个展项目，相信随着展览不断推进，双个展项目未来的影响力将会越来越大，也期待未来有更多展览呈现。据悉，此次展览将展至11月13日。艺术家介绍钟飙，1968年生于重庆，1991年毕业于浙江美术学院（今中国美术学院）油画系。现为四川美术学院教授、中国美术家协会油画艺术委员会委员、中国油画学会理事、重庆市油画学会副会长。钟飙曾在11个国家举办个展、30多个国家参加主题联展或国际双年展，作品被中国美术馆、新加坡美术馆、香港M+博物馆、美国丹佛美术馆、德国哈根美术馆、韩国光州美术馆等30多家国内外美术馆收藏。出版有《显形——钟飙的图像世界》《钟飙词典》等。钟飙曾获2004第十届全国美展优秀奖、《芭莎男士》2010中国年度创新艺术人物、《罗博报告》2016中国年度艺术家、2019中照照明奖科技创新二等奖、2020北美照明协会IES优秀奖。钟飙致力于透过纷呈的世相，探寻现实深处浩瀚的普遍联系和潜行动能，并运用创造性的艺术语言，把现实世界的人生观与能量世界的宇宙观结合起来，在多维时空中建构现世的理想国。尹朝阳，1970年生于中国河南南阳，1996年毕业于中央美术学院，现工作生活于北京。1990年代末，以尹朝阳为代表的“青春残酷绘画”，震撼人心地展示出一代人彷徨而“残酷”的青春体验，重新使绘画在叙事性、图像概念以及美学趣味上，具有一种崭新的实验性和思想深度，并构成90年代前卫绘画的重要倾向。在此后的《神话》《乌托邦》《正面》等系列作品中，通过不断深入的内心追问和与之相应的繁复而深刻的语言探索，他完成了从表现敏感的青春体验到展示一个更复杂深沉的精神世界的转变，成为中国“新绘画”的重要代表。2011年以来，尹朝阳转向一种有着强烈的个人气质、敏锐的当代视觉、和雄浑而深厚的传统底蕴的“心灵风景”。以恢弘与纯粹的绘画语言，发展出一种全新的，包含着个人与社会、历史与当下的山水画景观。-END-